Saisir l'invisible L’Institut Giacometti présente les photographies inédites d’œuvres d’Alberto Giacometti prises par Peter Lindbergh, l’un des photographes les plus importants de sa génération. A ces photographies sont associés une sélection de plâtres, de bronzes et de dessins choisis par le photographe. Ce face à face, permet de montrer le dialogue très intime qui s’est établi entre le photographe et les œuvres du sculpteur tout en révélant de nombreux points communs dans leurs manières d’appréhender la représentation du réel. L’exposition rassemble près plus d’une soixantaine d’œuvres des deux artistes.

Cette première rétrospective des photographies de Luigi Ghirri (1943-1992) hors de son Italie natale est centrée sur les années 1970. Elle retrace une décennie au cours de laquelle Ghirri a bâti un corpus d’images en couleur sans équivalent dans l’Europe de l’époque. Luigi Ghirri éprouve une fascination indéfectible pour les représentations du monde, pour les reproductions, images, affiches, maquettes et cartes et pour la façon dont ces représentations s’insèrent dans le monde, en tant que signes au sein de la ville ou du paysage.

Découvrez la première grande rétrospective française consacrée à Victor Vasarely, le père de l’art optique. Un parcours à la fois chronologique et thématique vous emmène parmi toutes les facettes de son œuvre foisonnant, depuis sa formation dans les traces du Bauhaus jusqu’aux dernières innovations formelles : peintures, sculptures, multiples, intégrations architecturales, publicités, études... Au travers de trois cents œuvres, objets et documents, explorez le « continent Vasarely » et la manière dont il a marqué la culture populaire de l’époque, s’inscrivant pleinement dans le contexte scientifique, économique et social des années 1960-1970, et soulignant la place cardinale de l’artiste dans l’imaginaire des Trente Glorieuses.

FRANCK SCURTI - More is Less Avec ce projet l’artiste prolonge sa promenade dans l’histoire de l’art et les signes du quotidien. Après avoir abordé la crise sociale et économique dans un ensemble de sculptures faisant référence aux Mangeurs de Pomme de Terre de Van Gogh (The Potatoes Eaters, 2018), créé un remake avec des déchets du célèbre Cri D’Edvard Munch (Le Cri, 2011), l’artiste revisite ici le Christ Jaune de Paul Gauguin. Si ces figures intéressent Franck Scurti c’est que, de leurs temps, elles s’évertuèrent à remplacer la froideur positiviste de l’impressionnisme par un humanisme nouveau. Transition que l’artiste trouve salutaire et active dans le contexte actuel.

Thomas Houseago, anglais vivant à Los ANgeles, est un des rares sculpteurs de sa génération, et depuis quelque temps l’un des plus reconnus. Utilisant des matériaux comme le bois, le plâtre, le métal, le béton ou le bronze, il semble vouloir s’inscrire dans la lignée de sculpteurs qui, de Henry Moore à Georg Baselitz, se concentrent sur une inscription vivante de la figure humaine dans l’espace. Souvent monumentales, ses sculptures conservent les vestiges du processus de fabrication et oscillent ainsi entre force et fragilité. L’exposition retrace les différentes phases de son évolution, de ses œuvres des années 1990 jusqu’à ses dernières réalisations, dont une installation inédite produite spécifiquement pour l’occasion. Le parcours, principalement chronologique, s’articule autour de quatre salles, qui croisent à la fois les grandes étapes géographiques de la vie de l’artiste, mais aussi son rapport intrinsèque aux matériaux.

En adoptant une approche multidisciplinaire, entre histoire de l'art et histoire des idées, cette exposition se penche sur des problématiques esthétiques, politiques, sociales et raciales ainsi que sur l'imaginaire que révèle la représentation des figures noires dans les arts visuels, de l'abolition de l'esclavage en France (1794) à nos jours. Tout en proposant une perspective continue, elle s'arrête plus particulièrement sur trois périodes clé : l'ère de l'abolition (1794-1848), la période de la Nouvelle peinture jusqu'à la découverte par Matisse de la Renaissance de Harlem et les débuts de l'avant-garde du XXe siècle et les générations successives d'artistes post-guerre et contemporains. L'exposition s'intéresse principalement à la question du modèle, et donc du dialogue entre l'artiste qui peint, sculpte, grave ou photographie et le modèle qui pose. Elle explore notamment la manière dont la représentation des sujets noirs dans les oeuvres majeures de Théodore Géricault, Charles Cordier, Jean-Baptiste Carpeaux, Edouard Manet, Paul Cézanne et Henri Matisse, ainsi que des photographes Nadar et Carjat, évolue.

Le 11 Conti - Monnaie de Paris organise la première rétrospective parisienne de l’artiste allemand, majeur et inclassable, Thomas Schütte (né en 1954 et vivant à Düsseldorf). Élève de Gerhard Richter à la Kunstakademie de Düsseldorf jusque dans les années 80, il est aujourd’hui reconnu comme l’un des principaux réinventeurs de la sculpture. Il est autant marqué par l’art minimal et conceptuel que par la sculpture classique et ses grands codes de représentation. Il a bénéficié de plusieurs grandes monographies et rétrospectives européennes dont dernièrement, le Moderna Museet, Stockholm (2016) la Fondation Beyeler, Bâle (2013), la Serpentine Gallery, Londres (2012). Il a reçu le Lion d’Or à la Biennale de Venise en 2005, Ses œuvres font partie des collections des plus grands musées et sont très régulièrement exposées.

Figure majeure de l'impressionnisme, Berthe Morisot reste aujourd'hui moins connue que ses amis Monet, Degas ou Renoir. Elle avait pourtant été immédiatement reconnue comme l'une des artistes les plus novatrices du groupe. L'exposition retrace le parcours exceptionnel d'une peintre, qui, à rebours des usages de son temps et de son milieu, devient une figure essentielle des avant-gardes parisiennes de la fin des années 1860 jusqu'à sa mort prématurée en 1895. Peindre d'après modèle permet à Berthe Morisot d'explorer plusieurs thématiques de la vie moderne, telles que l'intimité de la vie bourgeoise, le goût de la villégiature et des jardins, l'importance de la mode, le travail domestique féminin, tout en brouillant les frontières entre intérieur/extérieur, privé/public, fini/non fini. Pour elle, la peinture doit s'efforcer de "fixer quelque chose de ce qui passe". Sujets modernes et rapidité d'exécution ont donc à voir avec la temporalité de la représentation, et l'artiste se confronte inlassablement à l'éphémère et au passage du temps. Ainsi ses dernières oeuvres, caractérisées par une expressivité et une musicalité nouvelles, invitent à une médiation souvent mélancolique sur ces relations entre l'art et la vie.